jueves, 28 de abril de 2016

5 razones por las que debes ver Captain America: Civil War




Capitán América: Guerra Civil ya está en los cines y se perfila para ser el evento cinematográfico de la temporada, si estás dudando ver esta película, aquí te presento cinco razones por las que no te la puedes perder:

5- Black Panther.


El actor dramático Chadwick Boseman, que anteriormente apareció en la película Dioses de Egipto, interpreta a T’Challa, el rey de Wakanda mejor conocido como el héroe Black Panther, un personaje misterioso con una agenda propia que es introducido en la película en una de las escenas mejor estructuradas que he podido ver dentro del género de acción, y gracias a la habilidad actoral de Boseman, se puede decir que T’Challa es sin duda una de las revelaciones más importantes de Civil War y probablemente uno de los factores que permitirán expandir el Universo Cinematográfico de Marvel en futuras entregas.

La versión de Black Panther que vemos en pantalla difiere un poco de la que tradicionalmente se ha presentado en los cómics, pues Boseman nos presenta a un rey al que definitivamente le pesa la corona y la toma con seriedad y valentía hacia sus obligaciones, las cuales se toma bastante en serio, razón por la cual T’Challa decide unirse al equipo de Tony Stark durante la Guerra Civil de superhperoes.

Boseman logra demostrar en su interpretación que su elección fue la indicada, y consigue despertar el interés en el espectador sobre una aventura futura de Black Panther que muestre más de Wakanda, su reino del que sólo sabemos un poco gracias a Era de Ultron y a lo que se revela en Civil War.

4- Spider-Man.


Si por algún momento pensaste que el Hombre Araña aparecería sólo por uno o dos minutos en la película y que la mayor parte de lo que hará en pantalla ya lo habías visto en trailers me temo que estás bastante equivocado. Spider-Man está en la película más tiempo del que me imaginaba, y sus escenas son mucho mejores de lo que los cortos de cine te pudieron haber hecho pensar.

Algo más que debo decir es que, si bien hasta ahora pensaba que Toby Mcguire había sido el mejor Hombre Araña en el cine, definitivamente Tom Holland le ha quitado el puesto. La versión de Holland como Spider-Man es simplemente perfecta, y su interpretación de Peter Parker es también excelente, superando sin dificultades lo que hicieron sus antecesores. Sólo puedo decir que el departamento de casting de Marvel ha vuelto a tener un éxito completo; Holland es Peter Parker y Spider-Man, del mismo modo que Robert Downey Junior es Tony Stark y Iron Man o Chris Evans es Steve Rogers y el Capitán América; fue una muy buena elección de los directores de reparto.

Definitivamente será muy agradable volver a ver a Holland interpretar a Spider-Man en la siguiente aventura cinematográfica del héroe arácnido, así que en este aspecto, Marvel ha tenido éxito y le ha hecho a Sony un gran favor al revitalizar al Hombre Araña para el cine.

3- La dirección de los hermanos Russo.


Una de las cosas más impresionantes de Civil War es la dirección de los hermanos Russo, quienes ya demostraron en El Soldado del Invierno su capacidad para usar varios personajes en pantalla y a la vez mantener la importancia de la historia, y eso es algo que han reafirmado en esta cinta.

En Civil War, los Russo logran no sólo mantener un ritmo excelente durante la duración de la película al grado de que no se siente como un filme de más de dos horas, sino que han sido capaces de manejar a sus doce personajes de modo que todos tienen un momento de brillar haciendo un sentido completo en la historia; además, su capacidad de intercalar momentos de drama necesarios a fin de hacer avanzar el argumento con escenas de acción es bastante notable, Civil War es una película en la que tanto el drama como la acción son igualmente importantes.

Y hablando de eso, las escenas de acción en esta película son verdaderamente impresionantes, la batalla en el aeropuerto, que pensaba sería sólo un momento rápido de la cinta debido a los cortos de cine resultó ser la mejor escena de acción en una película de Superhéroes filmada hasta ahora, va a ser muy difícil que algo pueda superarla, y me parece que lo único que podría hacerlo será visto en las siguientes películas de los Avengers.

2- El guión es excelente.


Christopher Markus y Stephen McFeely, que también escribieron el Soldado del invierno, logran hacer más con la premisa de enfrentar a dos superhéroes con visiones de la vida distintas de lo que al principio parecería posible, pero como ya demostraron en la anterior aventura del Capitán América, este dúo de escritores son capaces de mantener sus historias interesantes.

La historia muestra las repercusiones del desastroso ataque de Ultron en Sokovia que presenciamos en Era de Ultron, y lo que pasa en el primer acto de la cinta, durante una misión en la que el Capitán está entrenando al nuevo equipo de Vengadores, será uno más de los factores determinantes para que la ONU, por medio de su representante el General Ross (a quien no habíamos visto desde El Increíble Hulk), le presente a los Vengadores un ultimátum sobre su situación, en la que se les solicita que se conviertan en agentes bajo las órdenes de la Organización internacional, algo que Tony acepta debido a su sentimiento de culpa, mientras que Steve se muestra receloso a ser supervisado por personas que podrían ser corruptibles. Todo esto es aderezado con una situación provocada por Bucky, el antiguo amigo del Capitán, quien será el detonante del verdadero conflicto entre Iron Man y el Capitán América, y todo esto es llevado de una manera que a pesar de pasar de las dos horas, nunca cansa al espectador.

El guión desarrollado por Markus y McFreely toma elementos de casi todas las películas de Marvel anteriores, incluso aquellas olvidadas, lo cual termina trabajando a favor de la historia ya que nos permite recordar cosas que han sucedido antes y darles peso, pero al mismo tiempo, el todo funciona bastante bien sin requerir que el espectador haya visto, o recuerde, las películas anteriores del Universo Marvel. En general, es un trabajo muy notable.

1- La interacción entre los personajes.


Algo que podría olvidarse dentro de esta cinta es la caracterización de los personajes, pero no hay de qué preocuparse, el guión le dedica el suficiente tiempo a todos los héroes para exponer sus motivaciones de una manera coherente con lo que hemos visto de ellos en películas anteriores, lo cual no es algo fácil considerando el número de personajes que aparecen en Civil War, pero gracias a esto es posible que podamos entender cómo la destrucción provocada por Ultron ha afectado a Tony Stark y cómo la traición de SHIELD en Soldado del Invierno afectó a Steve, es gracias a esta atención a la historia que al final podemos ver que el conflicto entre los equipos de Iron Man y el Capitán tiene sentido y que la batalla causada por estas diferencias ideológicas, cuando al fin sucede, es algo que ha pasado no sólo porque lo dice el poster de la película, sino porque es el resultado de las repercusiones de eventos anteriores que han obligado a los personajes a cambiar y a adaptarse a su entorno de manera que los ha hecho ir en direcciones contrarias.

Lo anterior no quiere decir que la película carezca de momentos de humor, tiene algunos y son buenos, en particular podemos mencionar uno dedicado a la Vision, el androide que conocimos en Era de Ultron y que ahora empezamos a comprender un poco más su interés en entender lo que significa ser humano a diferencia de lo que vimos en la previa aventura de los Vengadores.

Por cierto, es fácil olvidar que en esta película también hay un villano, y debemos hacer nota que, a pesar de lo poco que aparentemente tienen qué ver con los eventos en Civil War, Daniel Bruhl aprovecha bastante bien su oportunidad para darle vida a Helmut Zemo, uno de los villanos más antiguos y mortales del Capitán América, demostrando muy bien que quizás los oponentes más fieros del Capitán no son aquellos que lo desafían físicamente.
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Con una dirección impecable y excelentes interpretaciones de todo el elenco al servicio de una historia interesante que es acompañada de efectos visuales que en ningún momento decepcionan, Guerra Civil es un gran comienzo para la llamada Fase 3 del Universo Marvel y en definitiva la mejor película que el estudio ha lanzado hasta ahora; un verdadero triunfo del cine de superhéroes.

Calificación: 10/10

miércoles, 27 de abril de 2016

El Vuelo de los Dragones, una joya olvidada de la animación.


Protagonistas de El Vuelo de los Dragones.

En 1982 la difunta empresa de animación Rankin-Bass, responsable de una muy interesante adaptación animada de El Hobbit y de la excelente El último Unicornio tanto como de las series animadas Thundercats y Silverhawks, estrenó para televisión una película animada que hasta el día de hoy se sostiene como una de las más únicas y disfrutables dentro del género fantástico; esta cinta no es otra sino El vuelo de los Dragones (The Flight of Dragons).

Con animación realizada por el estudio TopCraft (que más adelante se convertiría en el galardonado Estudio Ghibli) y dirigida por Arthur Rankin y Jules Bass, esta producción animada está basada en dos libros de fantasía publicados algunos años antes, los cuales son El Dragón y Jorge (la primer novela de la serie del Caballero Dragón) escrito por Gordon R. Dickson y El vuelo de los dragones, escrito por Peter Dickinson; usando estas bases el guionista contratado por el estudio, Romeo Muller, combinó ambos libros tomando del primero la base para la historia y del segundo tomó el título, las ideas acerca de la biología de los dragones y el nombre del autor que fue dado al protagonista de la película. Tal vez lo anterior suene complicado, pero en realidad Muller hace un buen trabajo integrando ambos libros en un guión sencillo y sólido que es entretenido y fácil de seguir para el público infantil.

Peter Dickinson, un héroe amante de la ciencia.

La película nos narra la historia del final de la Era de la Magia, un evento que es el resultado de la cada vez mayor confianza de la humanidad en la ciencia sobre lo místico y sobrenatural, lo cual ha provocado que todos los seres mágicos, entre los que se encuentran hechiceros, hadas, unicornios, ogros y desde luego dragones, estén comenzando a desaparecer sin dejar ningún rastro.

A fin de garantizar la supervivencia de la magia, el Hechicero Verde Carolinus convoca a una reunión de emergencia con sus tres hermanos: el Mago Azul Solarius, el Hechicero Amarillo Lo Tae Zhao y el Brujo Rojo Ommadon a fin de proponerles la creación del Último Reino de la Magia, un lugar oculto del resto del mundo en donde todas las criaturas mágicas o sobrenaturales puedan sobrevivir en paz. Solarius y Lo Tae Zhao están de acuerdo con la idea pero no así Ommadon, quien propone al contrario que se le permita usar su magia negra para manipular a la humanidad y provocar una guerra que destruya a todos los seres humanos, algo que los otros tres magos no pueden permitir aunque desafortunadamente para ellos, las leyes de La Antigüedad, que rigen sus poderes, les impiden luchar entre sí, por lo que a fin de robar la corona de Ommadon y así neutralizar sus malignos poderes, tendrán que enviar un grupo de héroes en una misión para detener al malvado Brujo Rojo.

Ommadon, el terrible Brujo Rojo

A fin de llevar a buen término esta difícil tarea, Carolinus decide mandar a su dragón, Gorbash, y al valeroso caballero Sir Orrin Neville al Reino Oscuro de Ommadon, aunque para garantizar el éxito de la aventura, Carolinus consulta con La Antigüedad, la ya mencionada fuente de sabiduría que rige las relaciones entre los cuatro hechiceros para pedirle auxilio. Es de este modo que Peter Dickinson, un joven escritor de fantasía y diseñador de juegos de mesa que es además un dedicado estudiante de las ciencias, es arrancado del siglo XX y transportado a la era de la magia, en donde es recibido por Carolinus y Gorbash. Una vez en éste mundo mágico Peter se enamora a primera vista de la hija adoptiva de Carolinus, la bella Princesa Milisande, quien a la vez termina enamorándose de Peter.

Al enterarse de esto, Ommadon envía a su poderoso dragón, Bryagh, con la orden de asesinar a Peter y durante el enfrentamiento resultante, Carolinus es forzado a usar su magia para terminar con el conflicto, con el terrible efecto secundario de combinar la mente de Peter con el cuerpo de Gorbash, uniéndolos en uno sólo. Siendo que Peter ignora todo acerca de cómo ser un dragón, a Carolinus no le queda otra opción que enviar al anciano dragón Smrgol a la misión a fin de que pueda enseñarle a Peter lo necesario acerca de su nuevo cuerpo.

A partir de aquí comienza el viaje hacia el reino de Ommadon, en el que este pequeño grupo encontrará nuevos aliados como son el lobo Aragh, el elfo Giles y la cazadora Danielle, quienes les ayudarán a enfrentar las dificultades que les pondrá el Brujo Rojo en el camino, las cuales serán temibles, tales como la emboscada de las ratas Sandmirk en el bosque, el ataque del Ogro que vigila la entrada al reino de Ommadon y más adelante dentro de las tierras oscuras la pelea con el terrible Gusano de Sligoff, una gigantesca bestia que secreta ácido y, finalmente, el ataque de un ejército de dragones liderado por el maligno Bryagh.

Bryagh, el malvado dragón de Ommadon.

El enfrentamiento final entre Peter y Ommadon, que es a su vez una confrontación entre la ciencia y la magia, es bastante espectacular y su resultado final, en el que el pensamiento lógico y científico triunfa sobre el oscurantismo y la superstición, provoca la muerte del malvado Brujo Rojo y le permite a los tres hechiceros restantes la creación del Último Reino de la Magia.

Analizando la película con más detalle, podemos asegurar que el trabajo de animación realizado por el equipo japonés del estudio TopCraft es bastante bueno aunque se ve limitado debido a cuestiones de presupuesto. Aún así, el Coordinador de animación Toru Hara (quien más adelante sería el primer director general de Estudio Ghibli) logró que la animación fuera bastante fluida y que varias escenas, en particular las dedicadas a los antagonistas, se usaran ángulos de cámara que consiguieran incrementar el impacto visual de un modo muy efectivo. Estos detalles, aunados a otros más entre los que destaca la buena labor para los fondos, hacen que la animación en El vuelo de los Dragones, a pesar de ser algo acartonada para los estándares actuales, siga manteniendo un nivel visual bastante decente aún y cuando ya han pasado treinta años desde su estreno.

En el aspecto musical, la banda sonora escrita por Maury Laws, compositor de cabecera de la empresa Rankin-Bass es en extremo recomendable; utilizando instrumentos de viento para recrear un ambiente medieval durante varias escenas clave de la cinta, Laws logra darle un mayor empuje emocional a una película que sería bastante menos impactante sin un acompañamiento musical tan bien realizado. El tema principal, una suave balada que lleva el nombre de la película, fue compuesto por Laws junto con Jules Bass, y fue interpretado por el cantante Don McLean.

El horrible Ogro vigila la entrada al Reino Oscuro.

Otro punto muy notable de esa cinta es sin duda el diseño de personajes el cual es, en una palabra, magnífico. El estilo de arte utilizado para representar a los dragones y a las otras criaturas de la Era de la Magia es poco visto en estos días, y está basado más en ilustraciones que pueden encontrarse en cuentos de hadas clásicos. Esta decisión permitió darle una identidad propia a la cinta y en el caso de algunos personajes como es el caso de los Sandmirk, del Ogro, del Gusano de Sligoff e incluso el mismo Ommadon, logró volverlos visualmente amenazantes al grado de que las escenas en las que aparecen podrían ser muy intensas para niños pequeños.

Algo más a notar es el buen trabajo de los actores de doblaje en la versión en inglés, entre los que destaca James Earl Jones, la voz del mismo Darth Vader, quien al interpretar a Ommadon convierte a un villano que no aparece en muchas escenas en uno de los aspectos más memorables de la cinta.

Con animación de buen nivel para una película de televisión, un guión sorprendentemente bien realizado, un excelente trabajo de diseño de personajes y un destacable trabajo de doblaje, El Vuelo de los Dragones es sin duda una película que, a pesar de no desarrollar bien a algunos personajes secundarios y que tal vez resulte algo fuerte para los espectadores más pequeños, resulta ser bastante recomendable para los aficionados del género fantástico y las películas de dragones.

Calificación: 8/10


lunes, 18 de abril de 2016

7 Series animadas que tuvieron más éxito en México y Latinoamérica que en Estados Unidos.

En algunas ocasiones un producto llega a tener más éxito en un mercado diferente al que fue dirigido en un inicio, y muchas veces se debe a que dicho producto, en este caso series animadas, tocan un tema o serie de temas que le son de interés al nuevo público o tal vez el trabajo de doblaje y regionalización es tan bueno que logra que sea adoptada por esta nueva audiencia.

Curiosamente esto sucedió en México y Latinoamérica con las siguientes siete series animadas que presentamos a continuación:


Don Gato (Top Cat)

En su país de origen a esta serie se le considera como uno de los trabajos menores de Hanna Barbera y está prácticamente olvidada, mientras que en México es, junto a los Picapiedra, la serie más importante y popular del estudio, al grado de que la casa productora de animación mexicana Ánima Estudios, ha lanzado ya dos películas al cine basadas en el personaje que han tenido buenos resultados de taquilla y en venta de DVD.

Intro de Don Gato

Existen varias razones para la continua popularidad de Don Gato en estos lados y una es sin duda el trabajo de adaptación de diálogos y doblaje, ya que si bien se respetó la idea y el guión original, al ser transmitida en México, los actores de doblaje le dotaron a cada personaje de la pandilla de Don Gato con una voz particular más adecuada al gusto del país, así como un trabajo de regionalización que conectó bastante bien con la clase media, logrando que la caricatura sea popular incluso hasta el día de hoy.

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Speedy Gonzalez

El ratón más rápido de México es una mención interesante debido a que en Estados Unidos se le considera una representación racista y condescendiente del mexicano, la cual se extiende a la interpretación vocal con un inglés quebrado, lo cual incluso en sus primeras apariciones hace décadas lograron que Speedy no fuera muy bien recibido.


En México, sin embargo, el personaje fue bien aceptado y es recordado con cariño por una gran parte de la población; la razón principal de esto se debe, más que nada, al excelente trabajo de doblaje y adaptación realizado en los cortos clásicos del personaje, otro punto notable es que al ser el protagonista, Speedy siempre gana aún cuando se enfrenta con adversarios más poderosos que él gracias a su perseverancia, algo que culturalmente en México es un tema muy aceptado y que en realidad es un buen mensaje. Debido a esos factores, el veloz ratón se convirtió en uno de los personajes de Looney Tunes más populares, al grado que hasta una canción de rock le compusieron.

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Mazinger Z

Mazinger Z probablemente fue el anime más popular en México durante la década de los ochenta. Si bien la saga del robot pilotado por Koji Kabuto ha sido un éxito en prácticamente todos los países de habla hispana, en México generó una verdadera manía que permitió el estreno y aceptación de otras series de Super Robots como fueron Voltron (versión de vehículos) Robotech, Astroboy y los Transformers, así como generar suficiente interés como para que la recopilación de animé conocida como El Festival de los Robots fuera distribuida en video durante esa década. La popularidad de este anime es tal que incluso hoy es recordado con cariño por millones de personas.

Intro de Mazinger Z

En Estados Unidos, por el contrario, la serie fue mutilada por la censura (algo que no sucedió en ninguna otra parte) ya que las televisoras consideraron que era muy violenta, recortando capítulos enteros bajo el argumento de contenido cuestionable y además de que al robot se le quitó su emblemático nombre y Mazinger Z terminó siendo llamado Tranzor Z; debido a esto, no sorprende que la batalla de Koji contra el Doctor Hell y sus monstruos mecánicos fuera ignorada en el mercado Norteamericano.
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Halcones Galácticos (Silverhawks)

Producida por la compañía Rankin-Bass como una secuela espiritual de su muy popular serie Thundercats, Los Halcones Galácticos tuvieron sólo un éxito moderado en los Estados Unidos, siendo recordada hoy más como una curiosidad que otra cosa. En México, por el contrario, Silverhawks tuvo una mayor aceptación y aunque no llegó a ser tan popular como la ya mencionada Thundercats, sí entró en el gusto popular lo suficiente como para ser retransmitida con buena aceptación durante varios años.

Intro de los Halcones Galácticos

Al igual que en los casos ya mencionados, el trabajo de regionalización tuvo mucho que ver con el éxito en Latinoamérica de esta serie y, de hecho, la calidad del trabajo de los actores de doblaje es muy superior a la original en inglés, ya que dota a la serie de un mayor dinamismo en la caracterización de los personajes, particularmente los villanos, dando como resultado que esta versión es más divertida de ver.
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Los Caballeros del Zodiaco (Saint Seiya)

A pesar de que el anime y el manga original están disponibles de una u otra manera en los Estados Unidos, esta serie nunca ha logrado alcanzar un lugar destacable en el gusto del público. En México y Latinoamérica, por otro lado, Saint Seiya ha tenido un éxito gigantesco en todos los países en los que se ha transmitido, al grado que la mayoría de los adultos jóvenes, adolescentes e incluso niños conocen las bases de la historia y pueden recordar el nombre tanto de los personajes como el de sus técnicas especiales.

Intro de Los Caballeros del Zodiaco

Al igual que lo sucedido con Mazinger, una de las razones por las que Saint Seiya no ha recibido una mayor distribución en Estados Unidos y por la que fue totalmente ignorada es precisamente que los censores de aquél país la consideraron muy controvertida por cuestiones religiosas, violenta y oscura para ser consumida por el público infantil, mientras que el resto del mundo fue lo bastante afortunado para recibir íntegras las aventuras del Caballero de Pegaso y sus amigos.
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Dragon Ball

Si bien la obra máxima de Akira Toriyama es uno de los anime más populares en Estados Unidos, la fama que Dragon Ball tiene en México y el resto de Latinoamérica es mucho mayor, en donde esta serie es un titán de la cultura popular, y del mismo modo en que Mazinger lo hizo en la década los ochenta, Dragon Ball fue la responsable de revitalizar el interés en la animación japonesa a principios de los 90, y gracias al éxito de las aventuras de Gokú fue que recibimos series como Sailor Moon, Ghost Sweeper Mikami o la ya mencionada Saint Seiya.

Intro de Dragon Ball Z

De hecho, la serie es tan popular en México que la reciente película de anime de Dragon Ball fue estrenada en cines y tuvo un éxito tremendo, con fans llevando a sus hijos a ver la película o celebrando su estreno vestidos de su personaje favorito. Una de las razones que ayudó a que Dragon Ball fuera tan popular, nuevamente, es el trabajo de doblaje, el cual en México ha llegado a obtener el nivel de icónico, al grado de que cuando se rumoró que la última película tendría nuevos actores de doblaje, los fans presionaron con tal fuerza que la empresa importadora se vio prácticamente obligada a contratar a las voces originales para la regionalización de la cinta.
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Súper Campeones (Captain Tsubasa)

Hablar de Captain Tsubasa es hablar de una serie que ha tenido un inmenso e innegable éxito comercial y cultural en prácticamente todo el mundo… con excepción de los Estados Unidos, en donde este anime es prácticamente desconocido debido, más que nada, a la poca popularidad del futbol soccer en ese país.

Intro 2 de Super Campeones

En México y el resto de Latinoamérica, sin embargo, Captain Tsubasa es una de las series más importantes que se han transmitido por la televisión y prácticamente es legendaria en todos los países en los que se le conoce; éste drama de futbol que narra el viaje desde la infancia hasta la edad adulta del personaje principal y sus amigos ha inspirado con su mensaje de perseverancia y amor al deporte a millones de personas, tanto a quienes la miraban para saber el resultado de algún partido como los que se inspiraron en ella para convertirse a su vez en jugadores profesionales de futbol. 

Cómic mexicano basado en Captain Tsubasa.
Como dato curioso podemos mencionar que la serie fue tan popular en México que incluso tuvo una adaptación en cómic la cual llegó a tener tirajes de 60,000 ejemplares por número durante el tiempo que duró su publicación.
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Finalmente, podríamos mencionar algunas otras series más antiguas como son Remi, Candy Candy y Heidi la niña de los Alpes, tres dramas de animación japonesa que son prácticamente desconocidas en Estados Unidos pero que en México y Latinoamérica son bien recordados.

También está el caso de Los Simpsons, que si bien son populares en su país de origen, en México reciben 5 horas de programación los domingos entre cable y televisión abierta, y en Argentina, por ejemplo, la serie es tan popular que la película de Los Simpsons se convirtió en la más taquillera del país en el 2007. Podemos hablar de Ben 10, que logró ser tan popular como lo fue en su país de origen en Argentina, México y Paraguay.

En cuanto a Disney, curiosamente se podría decir que el Pato Donald es más popular en Latinoamérica que el mismo Mickey Mouse, aunque esto muy probablemente se debe a las dos películas protagonizadas por Donald que fueron realizadas por Disney para este mercado, las cuales son Saludos Amigos, de 1943 y su secuela Los Tres Caballeros, de 1944.

viernes, 15 de abril de 2016

El Libro de la selva (2016)


Una de las cosas que los estudios Disney han estado haciendo últimamente con razonable éxito, es encargarle a directores reconocidos realizar versiones de acción viva basadas en sus clásicos animados (Maleficent, Alice in Wonderland, Cinderella) y esto le ha dado buenos resultados tanto de taquilla como de recepción con la crítica; Disney continúa la estrategia este año con tres películas más: El Libro de la Selva, la secuela de Alicia en… y el remake de Pete’s Dragon, y por lo que se ha visto, todas serán éxitos de taquilla.

La primera de estas tres películas en llegar a los cines este año ha sido El Libro de la Selva, dirigida por el polifacético Jon Favreau, quien sigue siendo uno de los directores más desaprovechados en Hollywood.

Basada en el clásico de 1967, esta versión del Libro de la Selva deja en gran parte de lado muchas de aquellas cosas que caracterizan a la animación de los años sesentas, la cual de entrada eliminó una gran parte de los elementos presentes en los cuentos de Rudyard Kipling, autor original de la historia, a fin de hacerla más agradable para el público infantil. La versión de Favreau, por el contrario, le dedica sólo el tiempo necesario a rendir homenaje al clásico animado, ya que el resto de esta película se acerca mucho más en tono a la historia original de Kipling.

Gracias a los avances en efectos especiales, Favreau y su equipo han logrado traer al cine animales tan impactantes y feroces como los verdaderos, convirtiéndolos en los verdaderos estelares de la cinta, pero no hay que olvidar también la destacada participación del actor infantil Neel Sethi, que no sólo es el único actor de carne y hueso en la película, sino que también hace su debut en esta cinta. 

Sethi hace un buen trabajo, y logra ofrecer una interpretación de Mowgli que da en la nota en los momentos adecuados, una prueba del carisma del pequeño actor pero también un sólido testamento de la capacidad en la silla del director de Favreau.



Un aspecto importante de reafirmar es precisamente lo impactante visualmente que es la cinta y, como ya mencionamos, los animales generados por computadora están tan bien logrados que es posible apreciar incluso cabellos individuales en su piel, también es importante notar que la escenografía es maravillosa y digna de admirarse. La película es genial visualmente hablando, al grado de que hay muy pocas producciones capaces de competir con esta versión del Libro de la Selva en ese aspecto.

Otra cosa interesante a mencionar es el guión, que como ya habíamos mencionado antes, se apega mucho más al tono de la historia escrita por Kipling y eso le permite a la película mostrar momentos más dramáticos y darle a los personajes cosas más interesantes qué hacer, por lo que de esta manera tenemos que los desencuentros de Baloo y Bagheera son mejor desarrollados, y que la personalidad de Baloo va más allá de la de su contraparte animada; también tenemos a un Rey Louie que ya no es simplemente un simpático orangután hablador como en la versión de los sesentas, sino que ahora es un verdadero y peligroso megalómano. Además, y muy en lo particular, se nos presenta un Shere Khan que resulta completamente amenazante y temible, en lugar del afable carnívoro de la película de 1967.

El trabajo vocal en inglés contó con figuras de la talla de Bill Murray como Baloo y de Scarlett Johansson como la serpiente Kaa, mientras que en el doblaje realizado en México esos personajes fueron doblados, respectivamente, por Hector Bonilla y Susana Zabaleta, que a mi gusto realizan un trabajo aceptable.

El único aspecto en el que considero la película podría ser mejor es en cuestión de música, pues independientemente de que sólo hay una canción, lo cual no podría ser de otro modo dado el tono de la cinta, me parece que la banda sonora pudo haber dado más.

Ahora, hay que advertir que debido a los factores del guión y tono del filme ya mencionados arriba, es mi opinión que esta película podría ser muy intensa para niños pequeños; hay escenas con Shere Khan, y con el Rey Louie que, tal vez, podrían resultar algo fuertes para niños menores a los seis años, por lo que quizás un poco de discreción de parte de los padres sea recomendable en este aspecto.

Fuera de eso, El Libro de la Selva es una maravilla visual, con una dirección sólida que demuestra el buen oficio de Favreau, entregando una película altamente recomendable que vale la pena ver.

Calificación: 8/10